MÁS ALLÁ DE LAS NUBES (Al di là delle nuvole/Par-delà les nuages)

(Fr-It-Al) France 3 / Artificial Eye / Sunshine / Cecchi Gori / Road Movies, 1995. 112 min. Color.

Pr: Philippe Carcassonne, Stéphane Tchalgadjieff y Danièle Gégauff. G: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni y Wim Wenders, basado en el libro de cuentos “Quel Bowling sul Tevere” de M. Antonioni. Ft: Alfio Contini y Robby Müller. Mt: Claudio di Mauro, M. Antonioni, Peter Przygodda y Luciano Segura. DA: Thierry Flamand. Vest: Bibi Zeeba Miraie y Marie-Noëlle Giraud. Ms: Lucio Dalla, Laurent Petitgang, Van Morrison, Brian Eno y Bono. Dr: Michelangelo Antonioni y Wim Wenders.

Int: Fanny Ardant, Chiara Caselli, Irène Jacob, John Malkovich, Sophie Marceau, Vincent Perez, Jean Reno, Kim Rossi Stuart, Inés Sastre, Peter Weller, Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau.

SINOPSIS: Un director de cine con una cámara de bolsillo, recorre algunas ciudades de Italia y Francia. Su deambular geográfico así como su viaje interior le van inspirando cuatro historias de amor con la mujer como centro y los escenarios serán Ferrara, Portofino, París y Aix en Provence, respectivamente.

1ª – “Crónica de un amor que nunca existió”: En Ferrara, un joven conoce a una bella muchacha y queda tan cautivado que ello le impide consumar fisicamente su deseo por ella.

2ª.– “La muchacha, el delito”: Recorriendo las calles de Portofino fuera de temporada, el director de cine queda fascinado con una misteriosa joven que le confiesa “he matado a mi padre".

3ª – “No me busques”: En un lujoso apartamento de París, una esposa abandonada, ahora unida sentimentalmente a otro hombre, tiene un encuentro con su recién regre­sado e indeciso marido.

4ª – “Ese cuerpo de barro”: Un hombre sigue a una dulce y huidiza muchacha, la aborda e intenta un acercamiento. Pero este corto e imposible romance concluye cuando ella le revela su intención de ingresar en un convento.

Niccolo (Vincent Perez) se topa con una muchacha dulce y etérea (Irène Jacob) y algo le empuja a seguirla. Esa muchacha finalmente le confesará sus planes de futuro.

COMENTARIO: Tras un largo periodo de inactividad debido a serios problemas de salud, Antonioni, reuniendo fuerzas y desde una silla de ruedas, regresó al trabajo con esta película que –muy de lamentar– constituiría su (casi) definitiva despedida. Son cuatro historias con independencia dramática pero unidas por un hilo conduc­tor: accedemos a ellas desde el punto de vista de un narrador, el director de cine (alter ego de Antonioni), un hombre sumido en el silencio y la soledad, que busca y encuentra (porque son el centro) a mujeres misteriosas, inspiradoras, evanescentes y es a través de ellas, tejiendo historias, que nos son mostrados diferentes aspectos del amor, el desamor, el afecto sublimado, la sensualidad. 

Los pequeños segmentos que unen cada episodio fueron dirigidos por Wim Wenders que trabajó en todo momento como ayudante de Antonioni debido a las severas limitaciones físicas que en aquellos momentos sufría el autor de LA AVENTURA. A pesar de mi ferviente deseo de volver a visitar MÁS ALLÁ DE LAS NUBES una vez más, hace mucho tiempo que no me dan la oportunidad (tal parece un film escondido y olvidado). El que suscribe, un servidor, pasadas tres décadas, confieso encontrarme aún bajo el poderoso influjo de algunas imágenes de esta película de inspiración terminal y, dejándome arrastrar por la vena evocadora, deseo destacar como claves los episodios segundo (de misteriosa e hipnótica belleza) y sobre todo el cuarto que cierra la película (melancólico y desatadamente romántico, lo profano y lo divino llegan a rozarse durante un instante).

Y así, el film se cierra con un bellísimo y escalofriante travelling-epílogo atmosferizado por el tema “Your Blue Room” de Eno y Bono que me sumergen, imagen y música, en una devastadora sensación de tristeza y vacío por el bien perdido (tranquilizaos, lo mío no es contagioso). Aunque este cierre estuvo rodado por Wenders, sintetiza visualmente la confesión de una imposibilidad, la de un viaje interior de imposible conclusión y que Antonioni definió en su día: “Noso­tros sabemos que debajo de esa imagen revelada hay otra más fiel a la realidad, y debajo de esta otra, y otras aún debajo de esta última, hasta llegar a la verdadera imagen de esa realidad, absoluta, misteriosa, que nadie verá nunca". 

LA VIDA MANCHA

(Esp) Tornasol Films / Iberrota Films, 2002. 107 min. Color.

Pr: Gerardo Herrero y Fernando Victoria de Lecea. G: Michel Gaztambide. Ft: Carles Gusi. Mt: Pablo Blanco. DA: Carlos Bodelón. Vest: Patricia Monne. Son: Licio Marcos de Olivera y Nacho Royo. Ms: Mario de Benito. Dr: Enrique Urbizu.

Int: José Coronado, Zay Nuba, Juan Sanz, Sandro Polo, Yohana Cobo, Silvia Espigado, May Pascual, Alfonso Torregrosa, Enrique Martínez, Susi Sánchez, Cesáreo Estébanez, Sandro Polo, Ramón Goyanes, Paco León, María Castro, Pablo Chiapella.

SINOPSIS: Tras años de ausencia, un hombre vuelve para pasar unos días con su hermano. Éste se ha casado, tiene un niño y se gana la vida con su camión, pero el vicio del juego le impide disfrutar de lo que tiene porque todo lo que gana se lo juega. La visita de ese personaje remoto, aparentemente corta y banal, va a cambiar sus vidas dejándoles una mancha indeleble en el corazón.

Pedro (José Coronado), el ausente y enigmático hermano mayor de Fito (Juan Sanz) ha aparecido en escena y se siente calladamente atraído por Juana (Zay Nuba), su esposa. Una situación que altera la frágil calma familiar. 

COMENTARIO: Tras la soberbia y muy contundente LA CAJA 507, Enrique Urbizu dió con LA VIDA MANCHA otra prueba de su espléndida madurez como realizador. Estamos ante una película que nos habla sobre el control de las emociones y los sentimientos, de cómo surgen dentro de nosotros, de esa pugna que se establece entre lo que debemos hacer y lo que deseamos hacer y de cómo bajo determinadas circunstancias debemos elegir. El realizador recurre a un minimalismo narrativo de elipsis y silencios, de miradas en las que podemos “leer” o intuir todo lo que el film elude en su narración, todo lo que los personajes ocultan. Imágenes densas, expresivas, cargadas de emoción, merced a una puesta en escena perfectamente medida y que incluye una portentosa dirección de actores. En este sentido, la sobria y matizada composición de José Coronado resulta impresionante.

Ahora, dos apuntes: el primero pertenece a una percepción puramente personal: a poco que cotejemos argumento y personajes ¿podría considerarse LA VIDA MANCHA como un remake no confeso de RAÍCES PROFUNDAS (Shane)? El segundo es una interrogación sobre qué ha ocurrido con este incisivo director (responsable de títulos tan potentes como TODO POR LA PASTA, NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS, el mencionado LA CAJA 507 y el que ahora nos ocupa) que le ha obligado a refugiarse en las series de televisión.  

 LA NOVIA CADÁVER (Corpse Bride)

(USA-GB) Warner Bros. / Tim Burton / Laika Entertainment, 2005. 77 min. Color.

Pr: Tim Burton y Allison Abbate. G: John August, Caroline Thompson y Pamela Pettler. Ft: Pete Kozachilk. Mt: Jonathan Lucas y Chris Lebenzon. DP: Alex McDowell y Nelson Lowry. Ms y Can: Danny Elfman. Dr: Tim Burtony Mike Johnson.

Voces: Johnny Depp (Victor van Dort), Helena Bonham Carter (Emily, la novia cadáver), Emily Watson (Victoria Everglot), Tracey Ullman (Nell van Dort), Paul Whitehouse (William van Dort), Albert Finney (Finis van Dort), Joanna Lumley (Maudeline van Dort), Christopher Lee (Pastor Galswells), Richard E. Grant (Barkis Bittern), Michael Gough (anciano Gutknecht), Jane Horrocks (araña Viuda Negra).

SINOPSIS: A finales del siglo XIX, en la gótica gelidez de una villa victoriana, un apocado joven es empujado por sus padres a un matrimonio de conveniencia con la hija de una familia de alcurnia supuestamente rica. Sin embargo, mientras el muchacho pasea por un cercano y oscuro bosque ensaya en broma sus votos nupciales utilizando una rama con forma de dedo donde coloca el anillo lo que provoca el “despertar” de una fenecida joven que le arrastra al mundo de los muertos mientras que su verdadera prometida, espera en el mundo de los vivos.

La difunta Emily finalmente comprende la imposibilidad de sus pretensiones (vivos y muertos no son compatibles) y se retira permitiendo al joven Victor que viva su vida. El hermoso final refuerza las palabras de ella: "llevo tanto tiempo en la oscuridad que había olvidado la hermosura de la luna".

COMENTARIO: Tras su anterior incursión como guionista y asesor en la técnica de stop motion (fotografiar muñecos articulados fotograma a fotograma para crear la ilusión de movimiento) con aquella PESADILLA ANTES DE NAVIDAD (1993) que dirigió Henry Selick, Tim Burton volvió a recurrir en esta ocasión a ese “artesanal” sistema para conseguir superar los estimulantes resultados de la mencionada predecesora. Y es que LA NOVIA CADÁVER, en virtud de la espectral atmósfera que envuelve la historia que nos cuenta, posee un romanticismo, aunque sea de ultratumba, que emana, sobre todo, de ese hermoso personaje, la “cadavérica” Emily, cuyos sentimientos e imposibles aspiraciones la envuelven en un aura trágica (en un determinado momento, el perverso Barkis Bittern pregunta a nuestra fantasmal y anhelante heroína si se puede romper un corazón que ya ha dejado de latir). Lo cierto es que esta fascinante y arrebatadora criatura que no se resigna a estar muerta como impedimento para conseguir encontrar el amor, llega a desplazar en nuestras preferencias a su rival viva, la modosita Victoria.

Creo que desde EL BAILE DE LOS VAMPIROS de Polanski, nunca lo macabro fue mirado desde ángulos tan sorprendentes. En este sentido, el diseño de las primeras escenas con el joven Victor, primero en el sombrío y aterrador caserón de sus futuros suegros, personajes aterradores que representan a la estricta educación victoriana, y luego en el bosque, resultan escalofriantes porque él lo percibe así en esos momentos. Sin embargo, una vez que el joven Victor es raptado a la tierra de los Muertos, la óptica cambia radicalmente hacia lo seductor y colorista, incluso jovial, sin renunciar, eso sí, a ese poso de tristeza y nostalgia de lo perdido para siempre, de lo irreversible. Allí, en el inframundo, parece haber más “vida”, libertad y capacidad de diversión que en la superficie, donde están los “vivos”.

Ay! inevitable hacer una mención a la excepcional partitura de Danny Elfman, músico tan imbricado e imprescindible en las películas de Burton como lo fuera Morricone en las de Sergio Leone, contribuyendo a dimensionar, potenciándolo, el sombrío romanticismo que desprenden las imágenes de esta fábula impregnada de devastadora melancolía que siempre, por estas fechas, siento la imperiosa necesidad de que el desgreñado Burton vuelva a contármela.